Nouss Nabil, le retour gagnant

Nouss Nabil, le retour gagnant

Par David Sanon

Ce samedi 20 décembre, l’artiste musicien Burkinabé Nouss Nabil a donner un concert dédicace de son album « Kalfa ». L’album, le deuxième de sa carrière est disponible sur le marché du disque depuis le dix novembre.

C’est Tim Winsey qui à donner le ton de cette soirée en gratifiant le public de deux de ses titres. Kanzaï le poète lui emboîte le pas, question de monter la température en ce mois de décembre pas très chaleureux.

Quand, à 21h45, Nouss Nabil rejoint ses musiciens sur la scène, le public est tout cuit. Ses habits et ses chaussures abhorrent des cauris. Avec les frères David et Thomas Diarra respectivement à la guitare et à la basse, de Issiaka Sanogo à la Kora, Bassirou Sanou à la flûte traversière, Lékuy Dembélé au djembé et au bendré et Jean Paul Sanou à la calebasse, il diffuse des sonorités inconnues de la scène musicale burkinabé. Le public a eu droit à 9 des 12 titres qui figurent sur l’album. On peut dire sans risquer de se tromper qu'il a aimé. Il a d'ailleurs demandé à l'artiste de reprendre le dernier morceau intitulé "Dunia". Ce qu'il a fait avec le sourir aux lèvresVisiblement content lui aussi de retrouver son public.

Nouss Nabil signe son retour avec une grande innovation. Il introduit cet instrument que les mossis appellent « ruudga » dans la musique moderne. Cette sorte de violon traditionnel aux sonorités lancinantes et mélancoliques, fabriqué avec des poils de la queue du cheval, était réservée aux marginaux, en particulier aux aveugles. Nouss Nabil a eu le flair de le tirer de là, pour le mettre en évidence sur la scène moderne et surtout de l’introduire dans des rythmiques très dansantes.

De « Yé la mè » à « Dunia » en passant par « Gorée », des morceaux tous aussi beaux les uns que les autres, le public n’a pas regretté le déplacement. L’album chanté en mooré, en dioula et en français, est de très belle facture. La sonorité à majorité traditionnelle le fait balancer entre le « Mandé » et le « Yatenga ».

On se rappelle il y a 9 ans, il avait sorti son premier album intitulé « Diana Rose » qui avait connu un succès relatif sur le marché de la musique nationale. Depuis, silence radio ! Nouss s’est enfermé pour travailler sa musique. C’est le résultat de sa recherche qu’il a donné à voir aux mélomanes ce samedi. Le changement est tout de suite perceptible. Cette voix rocailleuse qui rappelle celle du regretté Black So Man, un autre grand nom de la musique burkinabé, est désormais plus stable. Il lui arrive même de passer allègrement des aiguës au graves. Il a vraiment mis son temps de « retraite » à profit pour ses fans.

Nouss Nabil dont le premier disque se basait sur de la musique de programmation est désormais résolument tourné vers la recherche musicale. C’est d’ailleurs ce qui l’a conduit au Jardin de la musique Reemdoogo qui est désormais le temple par excellence du live de la capitale.Il s'inscrit dans le sillage de certains artistes tels Bil Aka Kora,Kanzaï, Tim Winsey etc.

L'album "Kalfa" est le résultat d'un courage exceptionnel. Depuis que Nouss Nabil s'est mis à l'apprentissage depuis 2003 du « ruudga », il n'avait plus de spectacle donc pratiquement plus de revenus.Cette autoproduction lui vient donc des tripes. Son mérite c’est d’avoir osé ce retour aux sources qui se solde par une alchimie musicale très réussie. "Kalfa" est disponible chez les disquaires, le public devra le consommer sans modération aucune.

Salia Sanou, l’Afrique qui danse autrement

Salia Sanou, l’Afrique qui danse autrement

Le chorégraphe burkinabé Salia Sanou confronte la modernité de la danse contemporaine africaine aux pratiques traditionnelles. Un livre témoignage de son parcours et de celui des danseurs de tout le continent.

Catherine Maliszweski

Quoi de neuf en Afrique ? La danse. Depuis une quinzaine d’années, elle s’épanouit loin des gestes et rythmes ancestraux qui accompagnent aujourd’hui encore chaque rituel de chaque village. C’est l’avènement de la danse contemporaine africaine et Salia Sanou en est l’un des leaders. Avec Seydou Boro rencontré à Ouagadougou, ce Burkinabé né en 1969 dans le petit village de Léguéma a fondé la compagnie Salia ni Seydou. Elle sillonne la planète, présentant des mises en scène ancrées dans l’histoire moderne.

Ensemble ils ont ouvert le Centre de développement chorégraphique La Termitière, à Ouagadougou où a lieu, jusqu’au 20 décembre, le festival Dialogues de corps. Sanou a dirigé également les Rencontres chorégraphiques de l’Afrique et de l’Océan Indien, de 2000 à 2006, et s’apprête à résider trois ans au Centre national de danse (CND) de Pantin.

Il vient d’écrire un livre, Afrique, danse contemporaine (éd. Cercle d’art) en collaboration avec le photographe Antoine Tempé. Le propos est clair : souvenirs d’enfances, ferveur initiatique et militantisme culturel, Salia Sanou interroge sa relation à la danse, pose la question du continent africain face à la création artistique, déplore la non-implication des dirigeants africains dans le développement de la culture.

Comment est née votre vocation ?

Ma rencontre avec la chorégraphe Mathilde Monnier a tout déclenché. J’avais 22 ans, j’étudiais le droit par nécessité, dans l’espoir d’aider financièrement ma famille, mon père, ses femmes, leurs enfants… Je m’étais inscrit à différents concours administratifs ; j’ai décroché celui d’inspecteur de police. Mais la danse a toujours été primordiale dans ma vie - c’est l’un des piliers culturels de l’Afrique – et j’y trouvais un véritable épanouissement personnel. Alors quand Mathilde m’a proposé, en 1991, de la rejoindre en France, à Montpellier, pour interpréter l’un de ses ballets, j’ai sauté sur l’occasion.

Comment vos parents ont-ils réagit ?

Mal. Ils n’ont rien compris, j’ai même eu droit à des reproches. En Afrique le statut d’artiste n’existe pas. Danser n’est pas un métier, ça ne vous fait pas gagner de l’argent.

Parlez-nous des danses traditionnelles…

Dans les villages africains le parcours initiatique reste la pierre angulaire de l’éducation. Et la danse ponctue chaque étape de ce processus qui permet à l’enfant de devenir un homme. On se livre à des acrobaties spectaculaires, en enchaînant des sauts de mains, des saltos arrière et avant… On grandit avec elle, on devient adulte avec elle, elle inculque la même éducation, les mêmes codes : respecter l’être humain, écouter les anciens…

Ces valeurs ne sont-elles pas utopiques, en décalage total avec la réalité agressive de notre époque ?

Bien au contraire. D’abord parce qu’elles sont partagées par 80% de la population africaine, celle qui vit dans les villages. Ensuite parce qu’elles donnent des bases et des outils pour affronter le monde moderne.

En travaillant avec Mathilde Monnier, vous vous êtes confronté à la danse occidentale. Cela fut-il facile ?

Techniquement, ce n’était pas un problème. Intellectuellement, c’est autre chose : j’ai dû me défaire de mes réflexes, penser et danser autrement.

Comment est née l’idée d’une danse contemporaine africaine ?

Vers la fin des années 80, l’historien Alphonse Tierou a initié les Rencontres chorégraphiques de l’Afrique et de l’océan Indien, puis codifié les principaux pas et figures traditionnelles, qui contrairement à ce que l’on peut penser, n’ont rien d’improvisé. Avec Seydou Boro nous sommes les pionniers de la deuxième génération : nous confrontons ces pratiques à la modernité, nous cherchons à les faire évoluer, à raconter le temps présent.

Pourquoi un livre ? C’est rare un chorégraphe qui écrit…

Pour témoigner de mon parcours, de mes rencontres et de mes expériences. Je désirais laisser une trace écrite, moi qui viens d’un village où seule la tradition orale existe. Surtout je souhaitais mettre en lumière ce grand mouvement de création africaine qui interroge : l’art contemporain a-t-il sa place en Afrique ? Que veut dire « créer » par ici ? Pourquoi sommes-nous incompris ?

« Avec Seydou Boro, nous confrontons les pratiques ancestrales à la modernité, nous cherchons à les faire évoluer, à raconter le temps présent »

Avez-vous trouvé des réponses ?

Elles prennent corps dans mon travail. La première d’entre toutes, c’est la liberté d’expression. Je veux pouvoir dire ce que j’ai à dire sans diktat ni contrainte, partager ma vérité, la faire écouter. La tentation est grande, pour celles et ceux qui financent des démarches comme les nôtres, de vouloir orienter le propos.

N’est-ce pas la volonté de tout artiste ?

Sans doute. Mais en Afrique, le combat est plus rude. Certes, nous sommes des privilégiés puisque nous avons notre propre centre chorégraphique. Encore faut-il avoir les moyens d’y faire fructifier les talents. Est-il normal que 80% des subventions proviennent des pays étrangers ? Pourquoi les pouvoirs publics africains ne nous soutiennent-ils pas davantage ? Tant qu’il n’en sera pas ainsi nous serons toujours sur le qui-vive.

Que répondez-vous à ceux qui préfèrent investir dans la santé, la scolarisation, la construction des routes ?

Que la culture est le ciment de toute chose ! Je vois beaucoup d’organisations non gouvernementales débarquer avec leurs 4 x 4 et leur argent… Les membres de ces ONG échouent dans leur mission parce qu’ils pensent à l’occidental, sans prendre en compte les réalités culturelles du pays. Quant à nos dirigeants, ils considèrent les traditions africaines comme archaïques et les rejettent en bloc. Or, on ne peut aller vers la culture de l’autre que si l’on connaît déjà ces propres valeurs.

Avec la danse contemporaine africaine, vous vous démarquez pourtant des danses traditionnelles…

C’est plus compliqué que ça. Elles sont ancrées dans nos cultures, on danse pour aller travailler, on danse pour accompagner les morts, on danse de manière quotidienne… Chaque pays, chaque ethnie a les siennes, les Massais, les Zoulous… Nous en retenons l’essence, l’énergie, le mouvement, la volonté. Autant de forces qui animent nos corps mêmes si elles s’inscrivent autrement dans l’espace et le temps, mêmes si elles sont réinventées par les techniques modernes, la scénographie, les jeux de lumières…

Quel est le rôle culturel du Centre de développement chorégraphique La Termitière ?

Eveiller les consciences. Ainsi Poussière de sang, notre dernière chorégraphie témoigne-t-elle de la violence. Elle engage à revenir aux bases fondamentales de l’éducation africaine. L’impact de la danse contemporaine est exceptionnel sur les jeunes : ils sont de plus en plus nombreux à s’y intéresser, certains veulent même en faire leur métier. Mais cette force vive est freinée par les gouvernements : ils ont peur de ce nouveau langage parce qu’ils ne le maîtrisent pas.

Y a-t-il un chef d’Etat africain qui sort du lot, selon vous ?

Nelson Mandela, il a ravivé les esprits. Les autres font preuve d’une mentalité régressive.

Peter Brook annonce son départ de la direction des Bouffes du Nord pour 2010

Peter Brook annonce son départ de la direction des Bouffes du Nord pour 2010

Propos recueillis par Fabienne Darge et Michel Guerrin
Article paru dans l'édition du 14.12.08

Depuis 1974, le metteur en scène britannique Peter Brook dirige les Bouffes du Nord, dans le quartier de la Chapelle, à Paris. Il a fait d'une ruine oubliée un théâtre phare, où il a créé des spectacles mythiques, comme Timon d'Athènes, Le Mahabharata ou Carmen.
Cette longévité est liée au talent du directeur, mais aussi au statut privé de ce théâtre. Agé de 83 ans, Peter Brook, et la codirectrice, Micheline Rozan, ont décidé de passer le relais en douceur. Ils annoncent qu'Olivier Mantei, 43 ans, et Olivier Poubelle, 48 ans, prendront les rênes des Bouffes du Nord à l'horizon 2010.

Olivier Mantei est directeur adjoint de l'Opéra-Comique et responsable de la programmation musicale des Bouffes du Nord. Olivier Poubelle est entrepreneur de spectacles, et il exploite les salles du Bataclan et de la Maroquinerie à Paris. Peter Brook s'explique sur un choix qui va donner une forte orientation musicale au lieu.

Comment avez-vous envisagé votre succession ?

Avec le passage du temps, je cherche depuis longtemps la bonne façon de me retirer. Parfois, j'entends : "Les Bouffes, c'est votre théâtre." Ce n'est pas le cas, même si notre statut est unique. Notre indépendance est totale. Nous louons ce lieu autour de 150 000 euros par an à un particulier. Et si l'Etat nous donne 1,2 million d'euros par an, nous ne pouvons vivre sans les tournées de nos spectacles. Les Bouffes abritent le Centre international de recherche et de création théâtrale, qui est au coeur de mon travail. Je vais continuer d'animer le volet recherche du centre. L'idée était d'imaginer une succession capable d'établir une continuité et d'apporter un renouvellement.

Ne craignez-vous pas une image négative : "Brook, l'artiste du théâtre, confie les clés à des entrepreneurs de spectacles" ?

L'arrivée de Poubelle et Mantei est pour moi un soulagement. Le premier est très impliqué dans les musiques populaires, mais il a revitalisé la tradition du conte, il travaille avec Fellag et avec le groupe rock des Têtes raides, très créatifs et déjà venus chez nous.
Olivier Mantei a été administrateur des Bouffes, une maison qu'il connaît. Il a joué un rôle central auprès de formations classiques, comme le choeur Accentus de Laurence Equilbey. Il m'a convaincu que le classique avait sa place aux Bouffes. Or, j'ai le désir de développer la musique. Ce théâtre le permet, les musiciens aiment y jouer, en raison de l'acoustique et de la proximité avec le public. Mes spectacles, comme Carmen ou Impressions de Pelléas, l'ont montré. Rappelons que les Bouffes ont été à la fois un music-hall, un théâtre très sérieux, un lieu de revues.

Y aura-t-il encore du théâtre ?

Bien sûr ! Mes créations notamment. Nous avons une conviction commune, avec Poubelle et Mante : l'opéra, les musiques populaires, le théâtre ou la danse peuvent se marier dans un même spectacle, afin d'inventer de nouvelles formes. Ce sera notre vocation.

Pourquoi ne pas avoir choisi un artiste pour vous succéder ? L'auteur et metteur en scène Joël Pommerat a été cité.

Joël Pommerat s'est vu offrir par le Théâtre de l'Odéon la possibilité de travailler dans sa salle des Ateliers Berthier. Il en est ravi. Peu d'artistes, hormis des personnes comme Pommerat ou Stéphane Braunschweig - appelés ailleurs - seraient capables de faire tourner les Bouffes, qui doivent impérativement créer des spectacles qui se vendent dans le monde entier. Mantei et Poubelle sauront créer cette dynamique. Ils ne sont pas de simples administrateurs.

Comment se fera la transition ?

En douceur. Avec Micheline Rozan, nous avons bouclé le programme pour 2009. Je monterai les Sonnets de Shakespeare au printemps. Nous présenterons à l'automne la version anglaise de Tierno Bokar. Mantei et Poubelle prendront la responsabilité financière et administrative à partir de 2010. Outre un spectacle de Joël Pommerat, la programmation sera en 2010 le fruit de notre collaboration. Mon adaptation de La Flûte enchantée - un Mozart très intime - en sera le symbole puisque le choix de la distribution s'appuie sur l'expérience de Mantei. En 2011, Poubelle et Mantei seront totalement aux commandes. Ils pourront développer leurs projets musicaux et nous leur ferons des propositions pour que le fil du théâtre soit maintenu. Nous ferons tout pour les aider.

Ne craignez-vous pas que l'Etat, qui chasse les économies, refuse aux nouveaux directeurs ce qu'il ne pouvait vous refuser ?

Nous avons avec l'Etat un contrat sur trois ans qui se termine fin 2009. L'Etat peut décider de donner moins d'argent à partir de 2010 en raison de la nouvelle formule des Bouffes. Mais, si la qualité demeure, ce serait une grave erreur...

Envisagez-vous d'arrêter de faire du théâtre ?

C'est comme si vous me demandiez : "Jusqu'à quel âge allez-vous vivre ?" Ça ne dépend pas de moi.

Chœurs Colorés du Faso, le cœur haut et la fortune basse !

Chœurs Colorés du Faso, le cœur haut et la fortune basse !

Depuis bientôt deux mois, une chorale laïque répète au Centre Culturel Français lundi soir. Pour en savoir d’avantage sur cette chorale multiconfessionnelle et multinationale qui participe à la 4ème édition du festival chorus, nous avons rencontré le chef de chœurs monsieur Jean-Paul Texereau.

Chorus News : Bonjour Jean-Paul ! Pouvez-vous nous parler un peu de votre chorale ?

Jean-Paul Texereau : La chorale « Chœurs colorés du Faso » a été créée à la rentrée en octobre 2008, dans le but de rassembler Ouaga et au CCF, des chanteurs de tous horizons et toutes les générations pour chanter ensemble du gospel. Le but c’est d’amener ce groupe à se produire sur scène dans les églises ou ailleurs pour soutenir des associations caritatives ou humanitaires et les aider dans le développement de leurs projets. Tous ses concerts sont gratuits avec une participation libre à la fin. Nous voulons donc nous associer à tous les projets qui ne sont pas assez soutenus par les ONG locales et aussi amener les jeunes Burkinabé qui sont dans cette chorale de participer à des actions concrètes visant à développer des associations ou des orphelinats ou des organismes pas très soutenus. Tout cela bien sur en musique, dans un gospel traditionnel américain aca pella, c’est-à-dire quatre voix chantées avec deux voix d’homme et deux voix de femme dans une bonne ambiance avec beaucoup de dynamisme, de couleur et de joie. Avec environ 100 à 120 chanteurs, c’est aussi une occasion de se rencontrer entre différentes communautés, ce que nous n’avons pas toujours la chance de faire vu nos occupations professionnelles diverses. Par la musique on met de coté toutes nos diversités et construis ensemble des projets communs.

Chorus News : Pourquoi l’appellation Chœurs Colorés du Faso ?

Jean-Paul Texereau : Pour plusieurs implications je dirai. Chœur pour chorale peut aussi s’entendre cœur pour parler du battement de cœur qui est synonyme de vie. Quand au terme « coloré », il fait référence à l’universalité des cultures, des traditions, des générations des religions, des intentions. Nos tuniques représentent l’arc-en-ciel qui symbolise l’universalité des différences.


Chorus News : Les Chœurs Colorés existent depuis octobre seulement et en novembre vous participez au Festival Chorus. N’est-ce pas trop court pour faire une bonne prestation ?

Jean-Paul Texereau : Non je ne pense pas. On nous demande de chanter 4 à 5 pièces. L’effectif est de qualité et chaque semaine on a répété avec application. Je pense qu’on est niveau des autres et comme ce n’est pas un concours on ne va forcement chercher à faire mieux. Peut-être qu’il y aura des occasions de participer à des compétitions inter chorales mais du moment qu’on est invité on va participer et essayer de faire passer notre message avec enthousiasme et dynamisme en bonne ambiance avec d’autres chorales qui viennent d’un peu partout pour soutenir Chorus. Je pense qu’on a notre place et il faudra nous écouter et on verra bien.

Chorus News : Vous parlez de spectacles gratuits alors que vous devez faire des copies de partitions, vous coudre des tuniques etc. Comment compter-vous vous en sortir ?

Jean-Paul Texereau : Vous me donnez là l’occasion de dire merci au Centre Culturel Français qui nous ouvre ses portes, qui nous laisse répéter tous les lundis soirs sans nous demander une participation financière. Merci également à certains sponsors auprès de qui nous avons démarché pour nous permettre de faire des photocopies. On a sollicité certains pour pouvoir lever les fonds et confection nos tuniques et mettre ainsi une image sur le terme coloré parce que vous verrez que nous avons des tuniques multicolores. Merci à tout ceux qui croient à notre initiative et qui nous soutiennent avec beaucoup de gentillesse et de sincérité.

Chorus News : Un message particulier à l’endroit des mélomanes de Ouagadougou à l’occasion de ce festival ?

Jean-Paul Texereau : Venez nombreux soutenir Serges Bayala dans son action car elle est positive et vise en mon sens, sans rentrer dans les considérations personnelles, religieuses ou politiques, à rassembler toutes les confessions religieuses et traditionnelles du Burkina et ses voisins dans une ambiance de paix, de convivialité et de faire passer un message d’espoir qui montre que c’est possible, que tout le monde a sa place et que la musique est fédératrice. Autour d’une bonne cause, d’une belle idée on peut se retrouver pour produire un beau spectacle. Il y a aussi cette diversité dans le registre présenté. Nous nous ferons du gospel américain et j’imagine que chaque chorale viendra avec son répertoire. Le but c’est de faire plaisir au public, c’est de donner un de joie, un peu de dynamisme en toute simplicité et toute humilité.

Quand Gabi Glins et Ange Aoussou s’interrogent

Par David Sanon


Qui suis-je ? C’est le titre du duo de 40 minutes qu’ont présenté la Suisse Gabi Glins et l’Ivoirienne Ange Kodro Aoussou au public du CCF de Ouagadougou ce jeudi 18 décembre 2008. Combien sont-ils à ne s’être jamais posé cette question que se soit dans les moments de solitude ou dans nos relations aux autres ? Comment l’autre nous voit ? Comment nous le voyons ? Comment nous pensons qu’il nous voit ? Questions ?

Deux moustiquaires accrochées à un fil traversent la scène du côté cour vers le côté jardin. A l’arrière comme à l’avant scène des bidons d’eau minérale. Ce duo composé d’une Ivoirienne jeune et noire et d’une Suisse blanche et beaucoup plus âgée, s’exprime sur les dissemblances et es ressemblances que nous confèrent nos origines. Gabi obéit à une voix impersonnelle qui la fait courrir en disant « Harry up ! » et « Slow down !» pour la faire marcher. Ange ne comprend pas ces mouvements mécaniques.

Elles se dévisagent et prennent conscience de leur différence de peaux. Gabi exécute ses pas de danse classique pendant que Ange fait une revue des pas de danses africaines. Ce sont là des points de divergence. Mais ce qu’il y’a de formidable dans cette pièce c’est qu’elle nous dit malgré ces différences nous pouvons partager les mêmes valeurs. Pendant que Gabi explique en français et en allemand combien elle tient à une vertu cardinale comme le respect, Ange dit la même chose en bambara et en dida. L’application dans les mouvements d’ensemble qui sont bien menés témoigne du professionnalisme des danseuses.

L’éternel choc de la rencontre des cultures qui a été un argument destructeur à certaines occasions est autrement vu par Gabi. Quoi de plus normal quand on sait qu’elle a mené des études supérieures en ethnologie parallèlement à sa carrière de danseuse. Et si nos refuges identitaires étaient aussi fragiles que la toile d’une moustiquaire ? La violence est symbolisée par les souffles que les deux danseuses s’envoient de la bouche. Beaucoup de lumières, aussi bien des projecteurs que dans certains bidons d’eau : un appel à plus d’ouverture ? La scène reste baignée dans un bleu apaisant le long de la représentation.

La grande leçon de cette création, c’est que les rencontres des cultures peuvent aussi être paisibles !

oN | oFF fait forte sensation au CDC

oN | oFF fait forte sensation au CDC

Par David Sanon

La 7ème édition des Rencontres chorégraphiques de Ouagadougou, « Dialogue de corps », continue de dérouler son programme. Ce mercredi 17 décembre 2008 les spectateurs ont pu voir dans le cadre de « Dialogues de crops » oN | oFF de Philippe Ménard.

A 21h00 le public commence à entrée dans la salle. Sur la scène, deux hommes et une femme sont assis sur un banc. Eux, ce sont Steffania Branneti, Stéphane Couturas et Philippe Ménard. Des projecteurs et une enceinte acoustique surmontée d’une petite table de mixage sont disposés sur la scène. Soudain les deux hommes se lèvent et commencent à disposer les projecteurs. La lumière de la salle s’éteint et plonge le public dans le noir. Steffania se saisit alors d’un rouleau de ruban adhésif et trace un quadrilatère d’environ un mètre de côté sur la scène. Les trois s’y retrouvent mais ne tiennent pas en place. Ils bougent au rythme de la musique. Chacun voulant la place de l’autre, ils se bousculent, se fixent du regard puis détournent le visage, se sourient se déséquilibrent, mais forment un bloc, jusqu’à ce Philippe soit propulsé hors de l’espace. Il devient spectateur de la connivence née entre les deux rescapés. Ils s’entrelacent tels des lombrics. Philippe, le ruban adhésif en mains court décoller une partie du quadrilatère et trace un passage vers un autre un peu plus grand. Comme emportés par leurs contorsions, ils partent vers le nouvel espace. En chemin, la complicité gagne en intensité et les parties dénudées de leurs corps se touchent. Ils perdent tous deux leurs tee-shirts. Stéphane baisse la chaîne du pantalon de Steffania et la salle retient son souffle. Toujours entrelacés, ils se retrouvent par terre. On découvre l’étendue de leur souplesse dans de formidables mouvements au sol. Elle finit par se libérer pour, à son tour, devenir spectatrice. Avec son ruban, elle va rallonger l’espace pour Sthéphane, qui toujours au sol se déplacera sur environ 8 mètres. Le public restera captivé par sa grande souplesse jusqu’à ce qu’un projecteur qui se trouve au travers de son chemin le stoppe.
Dans cette chorégraphie de Philippe Ménard, soutenue par des extraits musicaux de COH, Nachtplank, Noto, Pixel, Amon Tobin et Marilyn Manson, où les danseurs sont tour à tour régisseurs son et lumières et spectateurs, c’est la souplesse, la sensualité et surtout l’équilibre du corps qui sont mis en exergue. Rien d’étonnant quand on sait que dans les années 90 déjà, lui même pratiquait une danse reposant sur l’Aïkido et l’Aïkïtaso (art martial japonais). Les coups déstabilisant que les danseurs se donnent derrière le genou, sont compensés par la souplesse qui les empêche de tomber hors du quadrilatère. Comme saisi d’une transe, chacun, à son tour dans un solo gratifie le public d’une parfaite maîtrise corporelle. Le regard, le sourire, la sensualité et la résistance du corps sont l’ossature de ce numéro et la dernière scène le prouve bien. Chacun dans trois des cinq espaces tracés, se met en appui tendu facial sur les orteils et les pommes. Ils résisteront ainsi sur toute la durée d’un morceau rock pour s’écrouler à la fin, tout transpirant, le sourire aux lèvres.

Passage réussi pour Ange

Passage réussi pour Ange

Par David Sanon

Sur le fond de scène, des images de nuages filent à l’horizon sur de. Entre le fond de scène et le rétroprojecteur posé à l’avant scène, une grande barrique, suivi d’une plus petite. Une lumière orangée introduit sur la scène une fille venant de la salle. Elle est reliée par un bandeau rouge à un baluchon qu’elle traîne derrière elle. Ange Aoussou, encore elle cette fois-ci dans un solo intitulé « Passages ». C’est là que l’on découvre l’étendue de son talent. Après s’être débarrassée de son baluchon dans la grande barrique, elle emporte le public dans son sillage. D’un air troublé, elle sort du champ de l’écran. Sur les notes musicales concoctées par Mamadou Fofana, elle passe allègrement des pas de danse classique à la danse orientale en passant par le hip hop, les musiques traditionnelle et urbaine africaine. Pendant qu’elle danse, les images de fond changent. Les nuages cèdent la place à un tas d’immondices. La grande barrique symbolise un dépotoir. Cette jeune fille à la croisée des chemins cherche un passage. Après moult pérégrinations sur ces notes musicales qui la transportent du village africain vers l’orient en passant par la ville africaine et l’occident, elle revient au réel qui est très souvent caractérisé par la douleur. Elle retourne à la grande barrique. Après ses fouilles elle se trouve d’autres accoutrements. Mais le lien y est difficile à établir avec autrui. Après avoir lancé « S’il vous plait, monsieur ! Grande sœur… », sans réponse de la part des personnes interpellées, elle conclue en disant : « Les gens sont bizarres ici ». Cette pièce nous évoque et nous convoque à la réflexion de sans l’exprimer ouvertement, la question du départ, de l’immigration. Pendant les 25 minutes que dure ce solo, les spectateurs ont effectué le voyage avec Ange. Sa maîtrise des pas des différents rythmes musicaux et l’occupation rationnelle de l’espace scénique ont rendu la pièce captivante et digeste.